01/06/2016 - Dos Beatles e os Stones ao Led Zep, Alice Cooper e Black Sabbath, como as artes das trevas enfeitiçam a música popular. Em 1º de junho de 1967, os músicos mais famosos do mundo lançaram um novo disco de longa duração, cuja jaqueta retratava uma galeria de personalidades não convencionais e um indivíduo cujo não convencional era infame. Sgt. Dos Beatles Lonely Hearts Club Band do Pepper foi um álbum amplamente aguardado que confirmou o status da banda como formadora de tendências de seu tempo. Foi a trilha sonora do feliz “Summer of Love”, que estabeleceu firmemente a primazia da música rock psicodélica e foi saudada como uma descoberta musical que ofereceu ao público em massa uma representação da sensação sonora da maconha e do LSD.
Hoje o Sgt. Pepper é lembrado como o álbum clássico da era do rock clássico, notável por suas técnicas de gravação pioneiras e canções duradouras dos Beatles ("With a Little Help From My Friends", "Lucy in the Sky With Diamonds", "A Day in the Life" ), embora a música anterior e posterior do grupo tenha envelhecido com mais sucesso. Até a capa do álbum é considerada um marco no campo da embalagem de discos desde os anos em que a música era realmente apresentada em discos físicos em mangas físicas e milhões de fãs estudavam a foto da capa e a intrigante montagem de figuras que ela retratava.
Fotografado por Michael Cooper, o sargento. A foto da capa do Pepper ocorreu em 30 de março de 1967. Os Beatles, inovando a cada passo, optaram por um layout que rompeu com o hábito de simplesmente colocar o quarteto sozinho em um único retrato. O designer Peter Blake, uma estrela em ascensão no mundo da Pop Art de Londres, mais tarde lembrou que conversou com os Beatles e com o proprietário da galeria de arte Robert Fraser sobre uma abordagem diferente do design: “Acho que foi isso que eu diria que realmente mudou a direção disso : fazendo uma colagem em tamanho real incorporando pessoas reais, fotografias e obras de arte. Eu meio que dirigi e pedi aos Beatles e Robert (e talvez outras pessoas, mas acho que fomos principalmente nós seis) para fazer uma lista de personagens que eles gostariam de ver em um tipo de filme mágico ideal, e o que veio deste exercício havia seis grupos diferentes de pessoas. ”
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O resultado foi uma foto em grupo de quase setenta pessoas, com os quatro Beatles fantasiados como os únicos corpos vivos na foto. Entre as seleções escolhidas pelos Beatles, Blake e Fraser eram contemporâneos admirados Bob Dylan e o escritor Terry Southern; as estrelas de cinema Fred Astaire, Laurel e Hardy, Tony Curtis, Marlon Brando e Marilyn Monroe; e vários criminosos artísticos e literários, Edgar Allan Poe, William S. Burroughs, Aubrey Beardsley, Dylan Thomas e Oscar Wilde. E no canto superior esquerdo da coleção, entre o iogue indiano Sri Yukteswar Giri e a símbolo sexual dos anos trinta Mae West, estava o rosto com a cabeça raspada de um homem que já foi conhecido como "o homem mais perverso do mundo". Seu nome era Aleister Crowley.
A foto original de Aleister Crowley usada para a capa de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club
A maioria dos relatos nomeia Paul McCartney como o Beatle que escolheu Crowley, embora as escolhas mais controversas do quarteto de Adolf Hitler, o Marquês de Sade e Mahatma Gandhi tenham sido retiradas da colagem. O que McCartney sabia sobre Crowley era provavelmente superficial; sua vida e obra subseqüentes não fazem nenhuma referência a Crowley, mas em 1967 o Beatle estava altamente antenado com os vogais predominantes da jovem Grã-Bretanha e da América e a crescente contracultura. Ao mesmo tempo, a especialidade de Peter Blake era em fotos "encontradas" de décadas passadas: a sensibilidade pop de exibir publicidade redescoberta e ilustrações de jornais com uma camada distanciadora de ironia. Juntos, o músico e o designer foram sensíveis ao renascimento de Victoriana, que caracterizou os gráficos e o estilo britânicos no final dos anos 60 (visto, por exemplo, nos uniformes dos bandos do Sgt. Pepper e no pôster de circo que inspirou a letra do álbum “ Ser para o benefício do Sr. Kite ”), e Aleister Crowley, nascido em 1875, fez parte desse avivamento.
A foto de Crowley usada por Blake havia sido fotografada por Hector Murchison em 1913 e, graças à sua promoção pelos Beatles, tornou-se a imagem mais reconhecível dele. Como três dos outros assuntos de capa, o artista "decadente" Aubrey Beardsley, o autor proto-surrealista Lewis Carroll e o escritor escandaloso Oscar Wilde, a reputação de Crowley estava gradualmente sendo reabilitada para uma época mais tolerante. Ele não era mais uma afronta à majestade britânica, mas um mártir da hipocrisia moral.
Nascido em uma fortuna crescente e criado em uma família fanaticamente religiosa, Edward Alexander Crowley era, pelo menos em alguns aspectos, um produto típico de sua classe. Ele era rico o suficiente para evitar um emprego regular desde a juventude; estudou em Cambridge e viajou muito (às vezes em perigosas expedições de escalada na Grã-Bretanha, Europa e Ásia); escreveu e publicou em prosa e poesia; aventurou-se sexualmente com mulheres e homens; e consumia livremente álcool, estimulantes e opiáceos. Se isso fosse tudo, ele poderia ter sido lembrado como apenas mais um libertino do fin-de-siècle, mas Crowley tinha outra busca que não era meramente o vício de um dândi privilegiado, mas uma paixão que tudo consumia. Tamanha era sua irreverência e apetite por transgressões, óbvio mesmo quando criança, que sua mãe o rotulou como “a Grande Besta”, tirado do apocalíptico Livro do Apocalipse. Pelo resto de sua vida, Crowley adotou e procurou viver de acordo com a designação, pregando e praticando seu princípio permanente: "Faça o que tu queres será toda a lei."
As façanhas terrenas de Aleister Crowley foram uma história de dons literários substanciais e bolsa de estudos metafísica a serviço de uma personalidade arrogante e abrasiva. Ele podia tanto impressionar com sua mente brilhante quanto intimidar com seus viciosos jogos de cabeça. “Tive uma antipatia imediata por ele”, contou o romancista Somerset Maugham sobre seu encontro com Crowley em Paris no início dos anos 1900, “mas ele me interessou e me divertiu. Ele falava muito e falava extraordinariamente bem ... Ele era um mentiroso e inconvenientemente arrogante, mas o estranho era que ele realmente tinha feito algumas das coisas de que se gabava. Crowley contou histórias fantásticas de suas experiências, mas era difícil dizer se ele estava dizendo a verdade ou apenas brincando. ” Maugham viria a basear o vilão personagem-título de Oliver Haddo em seu The Magician on Crowley.
Inteligente e culto, mas egoísta e dominador, Crowley se juntou à seita mística da Ordem da Golden Dawn, mas entrou em conflito com sua liderança e formou seu próprio círculo, a Ordem da Estrela de Prata; sua “Grande Operação” foi a transcrição do Livro da Lei, ditada pelo espírito Aiwass por meio de sua esposa Rose no Cairo em 1904. Uma sucessão de esposas, amantes, discípulos e íntimos passou por sua vida. Ele se exilou na América durante a Primeira Guerra Mundial, formou um culto desorganizado de crentes em uma abadia siciliana no início dos anos 1920 e perdeu um processo por difamação muito divulgado em 1933. Em seu auge, ele era uma figura de notoriedade internacional para o excessos diabólicos de seu estilo de vida e suas obras e arte jubilosamente blasfemas (ele até assinou seu nome com um A inconfundivelmente fálico), mas seu dinheiro e apelo à imprensa aos poucos acabaram. Os volumosos tratados de Crowley sobre ioga, xadrez, poesia, sexo tântrico, montanhismo e as artes perdidas do que ele sempre chamou de "magia" atraíram um público constante de devotos, mas no final de sua vida apenas alguns permaneceram comprometidos. Ele morreu em uma pensão perto de Hastings, Inglaterra, em 1947, viciado em heroína e em grande parte esquecido pelos compatriotas que outrora tanto chocou. Para uma testemunha, suas últimas palavras foram: "Às vezes, eu me odeio".
O Livro da Lei de Aleister Crowley
Mas foi o "Faça o que quiseres" de Crowley que os jovens de 1967, tanto os membros dos Beatles quanto os incontáveis ouvintes do grupo em todo o mundo, mais apreciaram. Para eles, Crowley não era um homem mau, mas um homem bem à frente de seu tempo, que antecipou a rejeição da geração posterior de devoções antiquadas de dever e moderação. O que Crowley representava, em última análise, era a autogratificação: não meras indulgências sem objetivo, mas a busca saudável e libertadora de sua vontade e desejos mais profundos contra as expectativas sem alma e superficiais de autoridade. O elaborado credo de Thelema (Will) de Crowley deu aos jovens o prazer de sexo, drogas e rock 'n' roll uma dimensão além de seus prazeres imediatos; de uma perspectiva Crowleyana, tais alegrias podem ser consideradas sagradas.
The Beatles’ nearest rivals in rock ’n’ roll were the Rolling Stones. It was the Stones who really seemed to symbolize the dangerous glamour of the genre and the time. They had no need to put Aleister Crowley on a record cover when they already seemed to live by his dicta. From their earliest successes they had been cast as a dirty, brutish counterpoint to the happy and lovable Beatles; their music was more aggressive and more obviously derived from the snarling grit of American blues. The month of Sgt. Pepper’s release, three Stones (Mick Jagger, Keith Richards, and Brian Jones) were in London courtrooms on drugs charges, and by the end of 1967 their psychedelic equivalent of the Beatle album had been released, its title a sneering parody of the royal preface on British passports: Their Satanic Majesties Request. It was only a pun, but it was the first time the Prince of Darkness had been named on a major pop record.
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“Suprimimos o indivíduo de cada vez mais maneiras”, dizia a introdução de Crowley em 1938 ao Livro da Lei. “Pensamos em termos de rebanho. A guerra não mata mais soldados, mata todos indiscriminadamente. Cada nova medida dos governos mais democráticos e autocráticos é comunista em essência. É sempre uma restrição. Todos somos tratados como crianças imbecis. ” Esses sentimentos são a base das queixas dos manifestantes e manifestantes dos anos sessenta. Embora Crowley seja apenas uma nota de rodapé no legado dos Beatles, era inevitável que muitos dos compradores que contrataram o Sgt. A Lonely Hearts Club Band de Pepper e contemplou sua capa através de mentes expandidas, investigaria sua biografia e aplicaria seus ensinamentos às suas próprias circunstâncias. Se Aleister Crowley por acaso também conduziu sacrifícios de animais, denunciou veementemente o Cristianismo e afirmou ter convocado demônios dos mundos inferiores, bem, esses também se tornaram parte de sua lenda. Aquele rosto maligno na capa de uma coleção marcante de música popular seria aquele que lançou um milhão de viagens.
LP dos Stones, Solicitação de suas Majestades Satânicas (1967) e o single "Sympathy For The Devil" (1969)
Ao longo dos anos seguintes, os Rolling Stones tornaram-se mais associados do que qualquer outro artista com uma depravação pessoal que ultrapassava a de apenas astros do rock festeiros. Houve rebeldes, meninos maus e caras durões no show business antes, mas os Stones levaram esses protótipos a um nível mais profundo de indignação. Muito disso, certamente, foi projetado neles por críticos e fãs que queriam atribuir ao grupo mais significado do que os próprios membros desejavam. E parte de sua aura realmente veio de seus amigos e parasitas, que já estavam se deleitando com o status de fora-da-lei dos Stones e adicionando suas próprias predileções pessoais à mistura. “Havia muitos pré-rafaelitas correndo em veludo com lenços amarrados nos joelhos ... procurando pelo Santo Graal, a Corte Perdida do Rei Arthur, OVNIs e linhas ley”, lembrou Keith Richards em suas memórias de 2010, Life. Aristocratas entediados, euro-lixo entediado e americanos esforçados, lembrou o guitarrista, todos exibiam "as credenciais de merda do período - o padrão de misticismo, a conversa altiva de alquimia e as artes secretas, tudo basicamente empregado a serviço do leg-over . ” Foram os famosos Rolling Stones, não seus suplicantes menos conhecidos, que tomaram conta disso.
Dito isso, os músicos foram infectados com as modas intelectuais da contracultura, e impregnados como estavam na experimentação de drogas, eles se aventuraram voluntariamente em parte do crescente corpo da literatura ocultista então em circulação: tudo, desde o Segredo Taoísta da Flor Dourada (lida por Mick Jagger ao fazer o pedido de Suas Majestades Satânicas) e coleções da mitologia celta, ao compêndio do americano Charles Fort de aberrações naturais relatadas, The Book of the Damned (1919) e The Morning of the Magicians, de Louis Pauwels (1960) ) Todo esse trabalho agrediu os preconceitos dos jovens, dos insatisfeitos, dos descolados e doidões. Eles confirmaram seus pontos de vista de que o sistema estava mentindo, a moralidade da classe média era uma farsa, a realidade era subjetiva e o mundo poderia ser um lugar mágico se você soubesse para onde e como olhar.
Os Rolling Stones em um concerto ao ar livre em Paris, 1967 | foto de Keystone-France / Gamma-Keystone
O próximo álbum dos Rolling Stones, Beggars ’Banquet, levou as implicações de Satanic Majesties ainda mais longe, com seu hipnótico e tribal single," Sympathy For the Devil ". Este favorito de longa data, que permanece um hino dos Stones até hoje, originou-se com a leitura de Mick Jagger do romance alegórico O Mestre e Margarita, do romancista russo Mikhail Bulgakov. O letrado e sensível Jagger recebeu o livro (escrito em 1939, mas não publicado até meados dos anos 60) por sua então namorada Marianne Faithfull. “Ele o devorou em uma noite e cuspiu 'Sympathy For the Devil'”, lembrou Faithfull em sua própria autobiografia de 1994. “O personagem central do livro é Satanás, mas não tem nada a ver com demonismo ou magia negra ... Mick escreveu um música de três minutos sintetizada a partir deste livro muito complexo. ” Agora considerado um dos grandes romances russos, O Mestre e Margarita é uma sátira selvagem da vida nos dias mais sombrios da URSS stalinista, com ecos da lenda de Fausto e aparições de Pôncio Pilatos e São Mateus.
Com o título provisório de "The Devil is My Name", "Sympathy For the Devil" foi gravada pelos Rolling Stones na primavera de 1968 (as sessões foram filmadas por Jean-Luc Goddard e incorporadas em seu filme homônimo) e lançadas em Dezembro. Jagger cantou sua clássica narrativa em primeira pessoa da presença de Satanás em pontos cruciais da história, incluindo a crucificação de Cristo, a Revolução Russa, a Blitzkrieg nazista e até mesmo os assassinatos de John F. e Robert F. Kennedy, com as letras retocadas para refletir o a morte deste último em 5 de junho. Era uma canção convincente que, em um ano violento e tumultuado, despertou ainda mais um clima cultural já carregado. No entanto, como Marianne Faithfull apontou, o ato diabólico de Jagger foi completamente afetado. “A única razão pela qual os Stones não foram destruídos pelas ideias com as quais brincaram é que eles nunca os levaram tão a sério quanto seus fãs”, ela lembrou. "Mick nunca, por um momento, acreditou que era Lúcifer." Não, mas muitos outros eram muito mais crédulos.
A ligação dos Rolling Stones com o ocultismo não terminou com "Sympathy For the Devil". A parceira de Keith Richards, Anita Pallenberg, era uma modelo alemã incrivelmente bela que, presa no vórtice das drogas e da devassidão na órbita da banda, dizia-se que era uma praticante das artes das trevas. Faithfull novamente: “Anita acabou levando o negócio da deusa um passo adiante na feitiçaria. Houve momentos, especialmente depois que Brian [Jones, Stone original] morreu, em que ela ficou um pouco louca. ” Não ajudou muito o fato de ela ter sido escalada com Jagger para o filme Performance, no qual um gangster londrino (interpretado por James Fox) muda de identidade com um astro do rock decadente (Jagger, naturalmente). Keith Richards considerou o diretor, Donald Cammell, “um twister e um manipulador cujo único amor verdadeiro na vida era foder outras pessoas”, mas Pallenberg parecia gostar de suas cenas de nudez com Jagger e outro membro de seu trio, Michelle Breton. Isso criou uma atmosfera distorcida de ciúme e dissipação orgiástica que, se Pallenberg realmente era ou se pensava em si mesma como uma feiticeira, definitivamente tornava os rumores plausíveis.
Ainda assim, os vínculos ocultos se aprofundaram. O cineasta underground americano Kenneth Anger estava em Londres e, por meio de suas conexões com o galerista e socialite Robert Fraser, abordou os Rolling Stones para atuar em seu último projeto, Lucifer Rising. A raiva era mais velha do que os Stones e seus seguidores (ele nasceu em 1927), um ex-ator infantil de Hollywood e autor da vitriólica Hollywood Babylon, e não menos importante, um aluno devoto de Aleister Crowley. Seus curtas de baixo orçamento Inauguração do Domo do Prazer, Escorpião Rising e Fireworks eram colagens cinematográficas ininteligíveis de motivos ocultistas, sadomasoquismo, apropriações pop e erotismo gay masculino. Anger descreveu a si mesmo como um feiticeiro e levou muito a sério seu trabalho; ele convenceu Mick Jagger a fazer uma trilha sonora de sintetizador abstrato para um de seus esforços, Invocation of My Demon Brother. Ele também precisava de dinheiro e da atenção que a presença do mundialmente famoso grupo de rock daria a Lucifer Rising. “Todos os papéis deveriam ser escolhidos com cuidado”, disse Anger mais tarde, “com Mick sendo Lúcifer e Keith como Belzebu ... A unidade Oculta dentro dos Stones era Keith e Anita, e Brian. Você vê, Brian era um bruxo também. Estou convencido. Ele me mostrou seu peito de bruxa. Ele disse: ‘Em outra ocasião, eles teriam me queimado’. Ele ficou muito feliz com isso ”.
Mas os Rolling Stones, como faziam com tantos outros, só brincavam com a raiva enquanto ele fazia cócegas em sua fantasia drogada. Sua verdadeira ocupação era gravar e executar sua própria música, e eles viam os forasteiros sérios como o Anger como incômodos descartáveis, tentando andar nas suas costas e absorver parte de sua comercialização. “Eles achavam Kenneth Anger cômico”, escreveu Marianne Faithfull. “Mick e Keith desprezaram totalmente seu hocus-pocus satânico.”
A reputação do quinteto ficou ainda mais negra em 1969, quando a morte de dois homens foi atribuída a eles popularmente. Brian Jones foi descoberto afogado em sua piscina em Sussex em 26 de julho. Embora tenha fundado os Rolling Stones e escolhido seu nome em uma canção de Muddy Waters, Jones nunca foi capaz de lidar com sua fama e a conseqüente licença sexual, alcoólica e química concedida a eles. Ele era, na verdade, uma personalidade muito vulnerável e sofria de crises de asma além de beber muito e usar drogas; suas prisões suspeitamente convenientes por posse de drogas nas mãos de um caçador de cabeças da Scotland Yard pouco ajudaram em seu estado de espírito. Jones não estava mais envolvido com o ocultismo do que ninguém nos Stones ou em seu círculo (apesar de seu peito de bruxa), mas agora a banda parecia não apenas perigosa, mas potencialmente letal. A banda foi definitivamente letal para Meredith Hunter, uma frequentadora de shows de São Francisco que foi morta pelos Hell’s Angels no show de 6 de dezembro no Altamont Speedway, na Califórnia. Novamente, a causa da morte foi mais banal do que demoníaca; o tempo estava frio, a multidão era feia, faltavam instalações, o show atrasou, os Angels eram violentos e os alucinógenos estavam por toda parte. Mas Hunter, apunhalado enquanto os Stones tocavam “Under My Thumb”, foi outra vítima para fãs e inimigos.
O funeral de Brian Jones
Depois da tragédia de Altamont, os Rolling Stones pareceram deixar para trás muito de sua imprudência ou, em todo caso, grande parte de sua ingenuidade espiritual dos anos 60. Com suas próximas aparições públicas em 1972, eles haviam entrado no materialismo do jet set e não eram mais considerados por seus jovens fãs como menestréis de uma revolução iminente. Seu álbum de 1973, Goat's Head Soup, abriu com o riff sedutor de "Dancing With Mr. D", que descrevia encontros em cemitérios, fogo e enxofre e o cheiro de vodu, mas nessa época essas referências dos Stones não eram tão inflamadas quanto eram tinha sido uma vez. Durante esta década, outras bandas de rock 'n' roll começaram a espalhar a mensagem ocultista e a espalhá-la mais amplamente e mais alto do que nunca.
Um músico esquecido cuja música fez alusões enfáticas a Aleister Crowley foi o tecladista e vocalista britânico de rhythm ’n’ blues Graham Bond. Ao contrário de Mick Jagger ou Keith Richards, Bond não se interessava pelo Oculto. Na verdade, ele acreditava ser o filho ilegítimo de Crowley - a filha reconhecida de Crowley morreu na infância e ele não deixou herdeiros legais - e seus álbuns Holy Magick e We Put Our Magick On You listavam canções com títulos incluindo "The Pentagram Ritual", "The Magician, ”E“ O Julgamento ”. Embora Bond nunca tenha escalado os picos de fama e riqueza como muitos dos contemporâneos que influenciou (sua banda, a Graham Bond Organization, tornou-se mais conhecida como a fonte do baixista Jack Bruce e do baterista Ginger Baker no trio superstar do Cream), sua vida e as obras estão explicitamente vinculadas ao Oculto. Problemas com drogas e carreira, combinados com instabilidade mental, levaram Graham Bond a se matar sob as rodas de um trem de Londres em 1974.
Uma das primeiras fotos de grupo do Led Zeppelin, 1968
Em 1968, o ex-guitarrista de estúdio e membro dos Yardbirds Jimmy Page formou seu novo quarteto Led Zeppelin. Assinado com a grande gravadora da Atlantic Records e apoiado pela gestão leal e ferozmente protetora de Peter Grant, Led Zeppelin rapidamente conquistou um grande número de seguidores no Reino Unido, Europa e especialmente nos Estados Unidos, onde sua marca histriônica e muito pesada de eletricidade blues atraiu o inquieto pós-sargento. Coorte de alunos do Pepper. Led Zeppelin pouco se incomodou com as táticas promocionais típicas dos primeiros rock 'n' rollers e seus discos e vendas de ingressos não sofreram nada, mas o que emergiu das raras entrevistas de Page foi seu estudo dedicado do Oculto. “Você não pode ignorar o mal se estudar o sobrenatural como eu”, disse ele a um jornalista em 1973. “Tenho muitos livros sobre o assunto e também participei de várias sessões espíritas. Eu quero continuar estudando. ”
Quarto álbum do Led Zeppelin e seu quarteto de símbolos alquímicos que o acompanha
Ao longo dos anos 70, o Led Zeppelin estava no auge ou perto do ápice do mundo do rock, e Page, como líder, guitarrista e produtor do grupo, era dominante na reputação ocultista da banda. Na verdade, os outros jogadores Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham não tinham afinidade alguma com os gostos de Page, mas cada um ficou, em vários graus, manchado por associação. Em 1970, Page, agora com um amplo show do Zeppelin e dinheiro de royalties entrando, deixou de colecionar livros de Aleister Crowley e outros artefatos para comprar uma casa de Crowley, a Boleskine House, nas margens do Loch Ness da Escócia. Naquele mesmo ano, Page e o engenheiro Terry Manning inscreveram as primeiras prensagens de vinil do álbum Led Zeppelin III com as adições de Crowley "Faça o que quiseres / Shall Be the Whole of Law" nas faixas de runoff, em vez dos números de série usuais.
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Em 1971, o quarto álbum do Led Zeppelin não recebeu nenhum título formal, mas um quarteto de identificação de símbolos rúnicos ou alquímicos que mais tarde foram exibidos por todos os quatro membros da banda em concerto; O sigilo de página era ilegível, parecido com a palavra "ZoSo", que acabou sendo rastreada até o astrólogo e matemático italiano da Renascença Girolamo Cardano (c. 1490-1565) e dois textos franceses do século XIX, Le Triple Vocabulaire Infernal e Le Dragon Rouge. O símbolo da planta, uma pena circundada, representava o supostamente perdido reino de Mu no Pacífico. O gatefold deste álbum foi ilustrado com uma adaptação da carta do Eremita de uma edição de 1910 bem conhecida do baralho de Tarô.
Anúncio dos EUA para “Lucifer Rising” de Kenneth Anger e Jimmy Page
Em 1974, Page comprou uma livraria London Occult chamada The Equinox, além da pródiga Tower House neo-gótica do arquiteto William Burges no exclusivo bairro de Kensington da cidade. Quando Led Zeppelin fundou uma gravadora boutique Swan Song, também em 1974, convites para festas com o título “Faça o que quiseres” foram distribuídos e strippers vestidas de freiras participaram das festividades. O logotipo da empresa era uma representação estilizada do mítico Ícaro alado ou, por outras interpretações, Lúcifer, o anjo caído. Em 1975 e 1977, Page realizou concertos com um traje preto de palco bordado com símbolos astrológicos, o sigilo ZoSo e um dragão torcido de corpo inteiro. No filme do Led Zeppelin de 1976, The Song Remains the Same, uma página solitária foi mostrada no terreno arborizado de sua casa na Inglaterra; ao se virar para a câmera, seus olhos brilharam com uma luz de outro mundo. Antes dos shows ao ar livre do Zeppelin em Knebworth em 1979, Page investigou as antiguidades ocultistas armazenadas na mansão próxima que já foi a casa de Edward Bulwer-Lytton, conde de Knebworth.
Alice Cooper, 1972
O problema estava se formando no campo do Led Zeppelin, no entanto: o cantor Plant e sua esposa ficaram gravemente feridos em um acidente de carro em 1975, e o filho mais novo de Plant morreu de uma infecção em 1977, pouco depois de John Bonham, Peter Grant e dois outros membros do a equipe de estrada do grupo foi presa por agressão nos bastidores de um show em Oakland. Naquela época, o próprio Jimmy Page, como muitos astros do rock da época, foi pego em um sério vício em cocaína e heroína. Page também conheceu Kenneth Anger em um leilão de itens colecionáveis de Aleister Crowley, onde o rico guitarrista superou o lutador cineaste, e Page concordou em compor gratuitamente uma trilha sonora para o projeto Lucifer Rising em andamento de Anger. Os dois se desentenderam, no entanto, enquanto Anger reclamava dos atrasos de Page em entregar música utilizável, enquanto Page estava irritado por Anger ter instalado uma sala de edição no porão de sua Tower House e estava oferecendo aos visitantes passeios não autorizados pelas instalações. A raiva rompeu publicamente com Page em 1976, dizendo aos jornalistas sobre os problemas de drogas de Page e ameaçando: “Estou pronto para lançar uma maldição Kenneth Anger!” Raiva finalmente exibiu Lucifer Rising em 1980, com várias fotos dele mesmo, Page, uma Marianne Faithfull fortemente drogada e o irmão de Mick Jagger, Chris. A trilha sonora oficial foi creditada a Bobby Beausoleil, um assassino encarcerado e membro da família Charles Manson.
O Led Zeppelin se separou formalmente em dezembro de 1980 depois que John Bonham se embriagou até a morte em uma farra na casa de Page em Windsor, três meses antes, um ano depois que outro jovem amigo da banda foi encontrado morto por overdose acidental na residência de Sussex de Page. Nos últimos anos da banda, e para muito além deles, tanto os fãs quanto os fanáticos religiosos anti-rock americanos afirmaram ouvir "mensagens" subliminares na famosa "Stairway to Heaven" do Led Zeppelin quando a composição épica foi tocada ao contrário. Entre os sons audíveis ali contidos, dizia-se, estavam as seguintes frases:
Não há como escapar
Cujo caminho me deixará triste, cujo poder é Satanás
Ele vai te dar 666
Aqui está meu doce Satan
A essa altura, os tablóides britânicos e as publicações de rock nos Estados Unidos começaram a imprimir histórias da "maldição do Zeppelin" que causara tanta desgraça ao quarteto. Além dos rumores de "mascaramento para trás" que compareceram ao "Stairway to Heaven" - que chegou a um comitê da legislatura estadual da Califórnia em 1982 - mais rumores conjecturais sustentavam que Page havia realmente vendido o seu, o de Robert Plant e o de John Bonham almas ao Diabo em troca da enorme popularidade do Led Zeppelin. John Paul Jones, o modesto músico do conjunto, recusou-se a assinar o contrato infernal (assim foi a história) e assim evitou as mortes e aflições que atingiram os outros. Esses contos refletiam as enigmáticas capas dos álbuns do Led Zeppelin, seus discos e shows dramáticos, as letras místicas de Plant e as vidas pessoais notoriamente perdulárias dos jogadores e o apoio de segurança propenso à violência, mas eles se originaram com o interesse admitido de Jimmy Page no Oculto.
No entanto, já em 1976, Page estava se afastando dos relatórios mais especulativos. “Eu não adoro o Diabo”, afirmou ele em uma entrevista à Rolling Stone naquele ano. “Mas a magia me intriga. Magia de todos os tipos. ” Ele continuou dizendo a seu entrevistador, o jornalista Cameron Crowe: “Não estou disposto a negar nenhuma das histórias ... Não sou bobo. Eu sei o quanto a mística importa. Por que eu deveria explodir agora? " Depois da morte do filho de Plant e do mito da "maldição" que surgiu, Page foi mais inflexível: "Todo o conceito da banda é entretenimento", disse ele ao jornal musical britânico Melody Maker. “Não vejo qualquer ligação entre isso e‘ carma ’, mas já o vi escrito algumas vezes sobre nós, como‘ Mais um incidente no carma do Zepelim ’... É uma coisa horrível e insípida de se dizer.”
Page nunca negou seu interesse por Aleister Crowley e acredita-se que seja um Thelemita praticante e ainda afiliado à Ordo Templi Orientis de Crowley (Ordem do Templo do Leste), mas ele disse à revista Guitar World em 2003: “É uma pena que meus estudos de misticismo e tradições orientais e ocidentais de magia e tantrismo estão todas sob a égide de Crowley. Sim, claro, eu li muito sobre Crowley e fiquei fascinado por suas técnicas e ideias. Mas eu estava lendo em toda a linha ... Não era incomum [nos anos 60] estar interessado em religiões comparativas e magia. ” Muito depois da morte do Led Zeppelin e da aposentadoria, Page teve que dissipar a maldição grosseira e os difamações retrógradas que ocultaram o surgimento dos anos setenta. “Eu não quero entrar em muitas reações de grupos fundamentalistas cristãos”, ele foi citado em 1995. “Já dei muita milhagem a essas pessoas”. Em 2000, ele entrou com uma ação legal contra uma revista de Londres que publicou uma história sugerindo que ele havia lançado feitiços satânicos sobre John Bonham enquanto o baterista morria; a história foi retratada e Page recebeu uma indenização, que o milionário músico e ocultista doou para instituições de caridade.
Alegações em torno do Led Zeppelin surgiram gradualmente durante a vida do grupo e alcançaram sua formidável influência póstuma. Mas em 1969, o promissor Zeppelin dividiu contas em Los Angeles com outro ato que causou um escândalo muito maior, embora mais breve, com uma enxurrada de discos polêmicos e shows sensacionais nos primeiros anos da década seguinte: Alice Cooper. Inicialmente um coletivo promovido pelo mestre do rock satirista Frank Zappa, a banda Alice Cooper fundiu a estridente energia adolescente da música boogie elétrica - mais simples e menos habilmente tocada do que o Led Zeppelin - com uma teatralidade macabra que acabou sendo rotulada de "rock de choque". O cantor era um jovem Vincent Furnier, um participante voluntário da manobra, que logo foi identificado como o próprio Alice; o nome, afirmou ele, foi tirado de uma sessão do tabuleiro Ouija, onde soube que era, na verdade, a reencarnação de uma bruxa do século XVII com esse nome.
Blue Oyster Cult
Cooper usava maquiagem e roupas femininas no palco, se apresentava com uma jibóia ao vivo, destruía bonecos bebês diante do público, parecia se enforcar e / ou se decapitar em rituais culminantes e / ou guilhotinados, cantava canções intituladas "Dead Babies", "Halo of Flies ”,“ Under My Wheels ”,“ Only Women Bleed ”,“ I Love the Dead ”,“ Black Widow ”,“ Is It My Body ”e o necrofílico“ Cold Ethyl ”e lançaram álbuns chamados Love It to Morte, assassino, bem-vindo ao meu pesadelo e Alice Cooper vai para o inferno. Um persistente conto folclórico afirmava que Cooper havia ganhado um concurso “nojento” no palco com Frank Zappa, que (dependendo do contador de histórias) envolvia a produção pública e a ingestão de dejetos corporais. Grupos de pais e comentaristas convencionais ficaram indignados, enquanto a imprensa absorvia tudo.
Em 1971, Albert Goldman, crítico de música da revista Life, escreveu que "A publicidade antecipada de Alice Cooper quase me revirou o estômago ... É um constrangimento assustador ... O que deixa todo mundo tenso é o sacrifício que ele faz da vergonha". Por alguns anos, Alice Cooper foi o melhor da feiúra do rock 'n' roll: “Somos o grupo que lançou uma estaca no coração da geração do amor”, disse ele a repórteres ansiosos.
Em pouco tempo, porém, Alice Cooper (o indivíduo) começou a minimizar o rótulo do rock de choque. Ele não renegou sua música ou sua rotina de palco, mas deixou bem claro que o que estava fazendo não era mais do que um truque que pegou os adolescentes frustrados da América e seus pais e mães preocupados. Cooper conviveu com figuras antigas do show business Groucho Marx e Bob Hope, e foi visto competindo em torneios de golfe de celebridades nada chocantes. Nos bastidores, ele não era um viciado em drogas enlouquecido por Satanás, mas o filho de um ministro de Phoenix, Arizona, e alcoólatra ativo. Observadores casuais naturalmente o ligaram à crista da onda Oculta, devido ao seu espetáculo extravagante e terríveis temas líricos, mas os iniciados sabiam melhor. O jornalista Bob Greene acompanhou a banda Cooper em uma turnê americana e notou o quão impassível o vocalista estava com seu próprio hype. “Ele estava ciente de que grande parte da América levava muito a sério sua imagem doentia e ensanguentada, o que o deixou ainda mais disposto a rir de si mesmo”, escreveu Greene em sua crônica de 1974, Billion Dollar Baby. “Alice tinha orgulho de sua inteligência e senso de ironia, e no estúdio ele fez tudo o que pôde para mostrar que o trabalho de interpretar o papel de Alice Cooper era apenas isso, um trabalho ... [Ele] estava sempre ansioso para demonstrar mais uma vez que não se confundia com o desgraçado perigoso chamado Alice Cooper que estava sendo vendido ao público. ”
Durante seu reinado como o rei do rock de choque, um dos atos de abertura de Alice Cooper foi a banda americana da costa leste Blue Öyster Cult. Ao contrário do headliner, o Culto não foi para cenas flagrantes de travestismo ou execução pública; eles tinham um som de rock pesado semelhante, mas com um material mais sutil que mantinha um ar de mistério. Os temas líricos do grupo costumavam ser irônicos, assim como o nome do grupo um pouco ridículo, mas eram transmitidos com uma intensidade (raios laser e potes de flash explosivos eram itens básicos no palco) que os tornava uma atração popular em meados dos anos setenta. Muito disso foi devido ao seu produtor, empresário e co-compositor Sandy Pearlman, um graduado universitário e crítico de música ocasional que foi creditado como o primeiro a usar o termo "heavy metal" para descrever o rock agressivo baseado na guitarra. O próprio tecladista Allen Lanier formou uma curiosa ligação entre o rock de estádio do gênero Blue Öyster Cult e a boemia cerebral de sua ex-parceira, a cantora punk Patti Smith.
Seguindo o modelo Led Zeppelin, BÖC desenvolveu uma série de capas de álbuns insondáveis que implicavam significado oculto, com o M.C. Gráficos no estilo Escher de sua estreia autointitulada em 1972 e Tyranny and Mutation do ano seguinte, seguidos pelo caça a jato Luftwaffe nos Tratados Secretos de 1974, enquanto On Your Feet or On Your Knees de 1975 retratava uma sinistra limusine preta em frente a uma velha igreja contra um céu agitado pela tempestade. Cada um desses quadros apresentava um logotipo enigmático que supostamente representava a foice de Cronos, líder dos Titãs da mitologia grega, além de ser o símbolo alquímico do metal mais pesado, o chumbo. Como o ZoSo de Jimmy Page, o design do BÖC virtualmente se tornou uma marca registrada do Ocultismo que milhões de fãs adotaram em suas próprias roupas e outros acessórios. O uso do trema em “Öyster”, embora fosse inútil, deu início a uma longa tendência de empregar o intimidante sotaque germânico em outros nomes de grupos de heavy metal: Mötley Crüe, Motörhead e assim por diante. As canções da banda ainda sugeriam uma vaga ficção científica ou estética transgressiva, incluindo números favoritos como "Dominance and Submission", "Subhuman", "Tattoo Vampire", "Career of Evil", "Astronomy", "I Love the Night", "Nosferatu", "Flaming Telepaths", "ETI [Extra-Terrestrial Intelligence]" e o riff de monstro destruidor de Tóquio de "Godzilla".
O Super Especial da Kiss 'Marvel Comics se vangloriava de que foi "impresso em sangue verdadeiro do Kiss".
O maior álbum de sucesso do Blue Öyster Cult se tornou um dos singles de rock mais conhecidos de sua época e um dos mais assustadores. Composta pelo guitarrista Donald Roeser sob seu pseudônimo muito mais legal Buck Dharma, "(Don't Fear) The Reaper" foi uma balada fantasmagórica de tom menor de um pacto de suicídio de amantes que sugeria a presença do próprio Death do lado de fora da janela com cortinas e a sala à luz de velas. Os versos mórbidos se encaixam perfeitamente com os arpejos sussurrantes e permanecem, como "Stairway to Heaven" do Led Zeppelin, um hino de paixões sombrias e poder gótico. Foi citado em uma variedade de obras cinematográficas e literárias posteriores, incluindo o épico do fim do mundo de Stephen King The Stand e uma versão televisionada do livro de não ficção de Norman Mailer sobre o assassino Gary Gilmore, The Executioner’s Song. O álbum em destaque, Agents of Fortune, de 1976, mais uma vez apresentou o logotipo Cronus e as imagens misteriosas das cartas de Tarô (bem como as letras contribuídas por Patti Smith). Para as legiões de jovens rock 'n' rollers que aprenderam as melodias em suas guitarras ou que tocaram as faixas em seus aparelhos de som de quarto, “(Don't Fear) The Reaper” e outras obras de BÖC foram entradas para o mundo do Ocultismo: acessível mas indecifrável, cativante mas confuso.
Bandas de hard rock e heavy metal do final dos anos 60 e ao longo dos anos 70 costumavam fazer referência ao ocultismo, seja diretamente em sua música ou como parte de seu comportamento geral. Um grupo de rock progressivo britânico pouco conhecido, Black Widow, fez canções intituladas "Attack of the Demon", "The Conjuration" e "Come to the Sabbat", enquanto realizava sacrifícios de mulheres nuas no palco. Em 1969, o Coven psicodélico, com sede em Chicago, fez sua própria homenagem à bruxaria e às artes negras; por uma estranha coincidência ou intervenção das forças das trevas, seu baixista era um Oz Osborne. A Viúva Negra e o Coven talvez estivessem muito comprometidos com seus ideais para capturar um grande público, mas depois as roupas se apropriaram de armadilhas ocultas para diversão e lucro.
David Bowie, a estrela do glam que dobrou o gênero, passou pelo fascínio de Aleister Crowley, agravado pelas quantidades extremas de cocaína que consumia, e mencionou o Occultist e a Golden Dawn em sua canção de 1971, "Quicksand". O quarteto fantasiado Kiss apareceu em uma maquiagem bizarra como um conjunto de identidades misteriosas; o baixista e vocalista Gene Simmons veio como “The Demon” e reviveu os truques teatrais clássicos para cuspir fogo e cuspir sangue falso no show. Simmons também afirmou ter inventado a saudação de heavy metal com dois dedos, que os fanáticos detectaram como o sinal do diabo, mas que o Demônio explicou ser sua maneira de acenar de volta para o público enquanto ainda segura sua palheta de baixo. Em 1977, os profissionais de marketing experientes do Kiss emprestaram seus nomes e imagens a uma série de quadrinhos da Marvel que foi anunciada como impressa com o sangue real do pessoal do grupo. Os roqueiros australianos AC / DC tiveram um grande sucesso com o álbum Highway to Hell de 1979, cuja capa retratava o guitarrista Angus Young com chifres e uma cauda do diabo, e o cantor Bon Scott com o símbolo ocultista de um pentagrama pendurado em seu colar.
Black Sabbath, 1970
Esses pequenos gestos improvisados de músicos de trabalho ocupados e ambiciosos, alguns deles cronicamente intoxicados, foram suficientes para inspirar a empolgação dos fãs. Era tal o tamanho do mercado de rock nesses anos que o público criava suas próprias lendas urbanas assustadoras em torno de jogadores que não precisavam de muita publicidade boa nem se preocupavam em negar o que era ruim. O nome Kiss, revelado o hardcore, era um acrônimo secreto para o papel do grupo como Knights In Satan’s Service, enquanto AC / DC significa Anti-Cristo, Abaixo Cristo. O Demônio e seus companheiros cavaleiros riram todo o caminho até o banco. “Besteira completa e absoluta”, escreveu o guitarrista do Kiss, Ace “Spaceman” Frehley sobre as alegações satânicas em um livro de memórias de 2012, No Regrets. “Eu me lembro de alguns em algumas de nossas primeiras turnês, havia fanáticos religiosos fora dos programas queimando nossos discos, dizendo que éramos adoradores do diabo. Dá um tempo, porra! " Enquanto isso, Angus Young do AC / DC deu de ombros: “Só porque você chama um álbum de‘ Highway to Hell ’, você recebe todos os tipos de tristeza. Tudo o que fizemos foi descrever como é estar na estrada por quatro anos. Quando você está dormindo com as meias do vocalista a dez centímetros do seu nariz, acredite, isso é quase o inferno. "
Mas uma banda de rock dos anos setenta foi mais identificada com o ocultismo do que qualquer outra, e de fato se tornou o protótipo de centenas de bandas alusivas ao ocultismo que se formaram desde então. O quarteto inglês Black Sabbath codificou o som, a aparência e a filosofia de um subgênero inteiro que só poderia ter surgido durante a década. Foi o Black Sabbath que mais explicitamente introduziu tópicos de misticismo, uso de drogas e desespero no rock 'n' roll, e foi o Black Sabbath que espalhou o evangelho profano da demonologia por toda a cena da música pop. Em termos de registros absolutos e ingressos vendidos, o Sabbath dificilmente era o grupo de maior sucesso da época e, no final dos anos 70, a formação original havia se desintegrado em acrimônia pessoal, problemas jurídicos e financeiros e os inevitáveis problemas de substância; eles são um alvo óbvio sendo parodiado no hilário “documentário falso” This Is Spinal Tap. Mas sua influência sobre eles próprios e as gerações posteriores de ouvintes de rock é incomparável. Nem os Beatles, nem os Rolling Stones, nem o Led Zeppelin, nem o Alice Cooper, nem o Blue Öyster Cult popularizaram o ocultismo tanto quanto o Black Sabbath.
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O Sabbath foi formado na decadente cidade industrial inglesa de Birmingham em 1969. Os membros - o cantor Ozzy Osbourne, o guitarrista Tony Iommi, o baixista Terry “Geezer” Butler e o baterista Bill Ward - mal haviam saído da adolescência. Como milhares de artistas lutando pelos circuitos de clubes locais da provinciana Grã-Bretanha, eles eram jogadores semiprofissionais esperançosos, sem nenhum talento ou originalidade ofuscantes, que precisavam de uma pausa na carreira mais do que uma epifania criativa. Por uma chance incrível, eles conseguiram os dois de uma vez. Tocando e ensaiando blues elétricos razoavelmente derivados sob o nome de Earth, Iommi trouxe para a sessão de prática da banda uma sequência simples de três notas baseada não na sequência padrão I-IV-V de progressões de blues (os acordes G, C e D, para exemplo), mas em um padrão dissonante e “errado” que incorporou uma quinta nota achatada da escala maior, neste caso, sol, uma oitava sol e o dó sustenido errante. Em outros estilos de composição, tal intervalo teria soado apenas estranho, mas o estrondo fortemente distorcido e rítmico do rock tocado por Earth (em emulação de bandas proeminentes Cream, Jimi Hendrix Experience e Led Zeppelin) tornou a mudança tonal altamente eficaz . O peso foi agravado pela maneira como Iommi desafinou sua guitarra elétrica, afrouxando as cordas para acomodar seus dedos tensos, as pontas de dois tendo sido cortadas em um acidente em uma fábrica de chapas onde ele havia trabalhado. Antes de qualquer letra ser colocada na música, o som fundamental do Black Sabbath foi estabelecido.
“Ele veio para o ensaio um dia”, Ozzy Osbourne lembrou da inovação de Iommi em 2001, “e disse,‘ Não é engraçado como as pessoas pagam para assistir filmes de terror; por que não começamos a tocar música assustadora? 'E então ele veio com aquele riff de ‘Black Sabbath’, que foi o riff mais assustador que já ouvi na minha vida. ”
Muito se falou do dispositivo padrão do Black Sabbath (alguns o chamaram de fórmula) de usar a quinta nota achatada ou acorde em muitas de suas canções: os compositores litúrgicos da Europa medieval alertaram para a inclusão disso em obras corais ou instrumentais, chamando-o de Diabolus na música ou o demônio na música. O termo parece ter tido um significado mais técnico do que religioso - um lembrete aos cantores e músicos de que alguns intervalos na escala produziam discórdia em vez de harmonia - mas no caso do sábado, os tons ásperos de suas progressões de violão eram perfeitamente adequados para as letras cantadas sobre eles.
De acordo com uma lenda, o filme que levou a sugestão de Iommi de tocar "música assustadora" foi o filme de Boris Karloff de 1964, Black Sabbath, uma antologia italiana de três contos onde o idoso ator de Frankenstein era a atração principal. Mas o filme em si estava mais próximo da produção exagerada de Hammer dos anos 50 e 60 do que do cinema de terror intensamente realista que apareceu nos anos seguintes. As verdadeiras origens das inclinações ocultistas do sábado estão em Geezer Butler. Butler recebeu o que mais tarde chamou de uma educação "católica severa" e quando jovem começou a se interessar por feitiçaria e bruxaria, que leu na revista britânica Man, Myth, and Magic, livros de Aleister Crowley, e o penny- romances terríveis do escritor britânico Dennis Wheatley, entre eles The Devil Rides Out e To the Devil a Daughter. Altamente imaginativo e sugestionável, ele trabalhou elementos de cada um nos versos que forneceu para a banda.
“Eu estava vendo todo tipo de coisa na época, e não por meio de drogas”, explicou ele. “Eu me mudei para um apartamento que pintei de preto com cruzes invertidas em todos os lugares. Ozzy me deu um livro do século dezesseis sobre magia que ele roubou de algum lugar. Coloquei no armário porque não tinha certeza sobre isso. Mais tarde, naquela noite, acordei e vi uma sombra negra no final da cama ... Corri para o armário arejado para jogar o livro fora, mas o livro tinha desaparecido ... Isso me assustou pra caralho. ”
Entre a estreia do Black Sabbath em 1970 e a coleção final com a configuração original, Never Say Die de 1978, a música e a imagem pública do Sabbath ofereceram um retrato do demonismo e do sobrenatural sem paralelo em seu meio. Nem todas as suas canções eram sobre o ocultismo; eles também abordaram o uso de drogas, paranóia, solidão, viagens espaciais e até mesmo o rock 'n' roll básico da luxúria jovem. Mas uma parte significativa do material do Black Sabbath estava abertamente preocupada com o mal cósmico que interferia nos assuntos dos homens: faixas aterrorizantes incluindo "Black Sabbath", "The Wizard", "NIB" e "Warning"; os clássicos pacifistas “Porcos de Guerra” e “Funeral Elétrico”; o surpreendentemente pró-cristão “After Forever”; “Children of the Grave”, a assombrosa balada “Changes” e a humanista “Under the Sun”; “Sabbath Bloody Sabbath”, “Supertzar” e “Gypsy”. As encarnações posteriores da banda incluíram um desfile de diferentes vocalistas, tecladistas e bateristas, mas eles ainda lançaram "Heaven and Hell", "Lady Evil" e "Die Young". “É um mundo satânico”, Geezer Butler foi citado em um artigo duvidoso da Rolling Stone em 1971. “O diabo está mais no controle agora. As pessoas não podem se unir, não há igualdade. ”
Visualmente, a banda parecia querer dizer o que tocou. As capas de seus álbuns mostravam uma mulher com um manto esverdeado perto de um moinho de água inglês ao anoitecer (Black Sabbath), uma adormecida com sonhos infestados por demônios (Sabbath Bloody Sabbath) e um espelho surreal não refletivo (Sabotage). A manga interna do Black Sabbath apresentava uma cruz invertida. Um demônio alado serviu como assinatura corporativa do Black Sabbath. Seu álbum de compilação de 1976 apresentava apenas letras vermelhas e brancas contra um fundo preto: We Sold Our Souls For Rock 'n' Roll. Todos os quatro membros originais foram fotografados juntos usando colares de crucifixo, e Iommi personalizou os pontos usuais da escala de suas guitarras com pequenas cruzes. Um dos primeiros clipes de TV os viu interpretando seu imortal “Paranóico” sobreposto contra um pesadelo de fundo de um rosto andrógino com olhos de kohl. Fotos promocionais mostravam quatro jovens sérios espiando por trás de imponentes massas de cabelo.
Os críticos da época odiavam o Black Sabbath. O influente crítico americano Lester Bangs descreveu-os como um "gigante sub-Zeppelin kozmik", Robert Christgau do Village Voice chamou seu primeiro álbum de "o pior da contracultura em uma bandeja de plástico", enquanto Parke Puterbaugh declarou que "para assistir a um de seus concertos eram uma experiência tão prazerosa quanto um interrogatório da Gestapo ”. O Black Sabbath, disseram os conhecedores, fornecia “rock doom” barato para adolescentes viciados em drogas que já viajavam com o Oculto: muito barulhento, muito pretensioso e muito burro. Outros reagiram com alarme à ênfase evidente do sábado no diabo e todas as suas obras.
“A igreja foi contra nós em grande estilo”, lembrou Tony Iommi em 1992. Mas os admiradores da banda podem ter sido mais problemáticos, disse o guitarrista. “Uma noite, depois de terminar um show, voltamos para o hotel e encontramos o corredor que levava aos nossos quartos completamente lotado de pessoas vestindo capas pretas, sentadas no chão com velas nas mãos, cantando 'Ahhhhh'. Então escalamos para eles chegarem aos nossos quartos, mas ainda podíamos ouvi-los cantando ... Então sincronizamos nossos relógios, abrimos nossas portas ao mesmo tempo, apagamos as velas e cantamos 'Parabéns pra eles'. Irritou-os. Você não acreditaria em algumas das cartas que recebemos e em algumas das pessoas que apareceram. ”
Na ponta receptora de todas as condenações estavam quatro britânicos da classe trabalhadora, cuja educação formal havia terminado bem antes de se tornarem músicos de rock em tempo integral aos vinte e poucos anos. Eles encontraram uma abordagem vitoriosa que os levou à fama e fortuna na Grã-Bretanha, Europa e América do Norte, mas eles não tinham o objetivo de converter ninguém ao satanismo; eles nem mesmo se converteram. Como Alice Cooper com seus banhos de sangue no palco e Kiss com sua maquiagem e botas de plataforma, os supostamente diabólicos jogadores do Sabbath admitiram que estavam apenas jogando um lance que valeu a pena. “Já fiz entrevistas para jornais cristãos nas quais, se estou falando sobre o quanto respeito Jesus, eles dirão:‘ Mas você não pode respeitar Jesus! Você não estaria em uma banda de rock se fizesse! '”Geezer Butler se lembra. “Quero dizer, sim, gostamos da ideia do que está além, mas como um interesse”, esclareceu Iommi. “Certamente de forma alguma como a prática de tal. E foi só isso, na verdade. " Para milhões de ouvintes do sábado, no entanto, se os membros do grupo praticavam ou não o que pareciam pregar era irrelevante. Eles fizeram do Oculto uma presença imediata em seus fones de ouvido, em suas camisetas e em suas salas de concerto. Não havia dúvidas sobre o Black Sabbath.
Música e atos voltados para o ocultismo, é claro, não foram a única tendência no rock 'n' roll dos anos 60 e 70. Havia folk e fusão, punk e reggae, a audição fácil de Linda Ronstadt e a alma sexy de Donna Summer. Mas o período de pico dos Rolling Stones foi aproximadamente entre 1968 e 1973, os anos do Pedido de Suas Majestades Satânicas, "Sympathy For the Devil" e "Dancing With Mr. D." O Led Zeppelin vendeu quase 300 milhões de discos desde 1969, e “Stairway to Heaven”, para frente ou para trás, é considerada sua obra-prima. De 1972 a 1975, Alice Cooper foi uma presença inescapável na mídia; idem Kiss de 1975 a 1979. Blue Öyster Cult's “(Don't Fear) The Reaper” foi um dos dez maiores sucessos dos EUA em 1976. Highway to Hell do AC / DC foi o primeiro álbum de longa data do quinteto que vendeu milhões. Mais de 20 milhões de cópias do Sgt. A Lonely Hearts Club Band do Pepper foi comprada em todo o planeta desde 1967, representando 20 milhões de anúncios em miniatura de Aleister Crowley recebidos em todo o mundo. Black Sabbath foi finalmente introduzido no Rock and Roll Hall of Fame em 2006. O grupo vendeu 75 milhões de álbuns em todo o mundo. O álbum 13 de 2013 começou com o single “God Is Dead”.
Para o vasto grupo demográfico do Baby Boom com idades desde o início da adolescência até o final dos vinte anos, o Occult foi trazido a eles em sua língua franca da música rock. Muito de seu transporte - pelos próprios performers jovens e procurando erraticamente por respostas pessoais ou filosóficas - tinha sido expediente ou acidental. Mas sua recepção - por pessoas a quem o rock falava verdades profundas que os mais velhos há muito ocultavam - transformou a perspectiva espiritual de uma geração. E quando aquela geração finalmente desligou seus rádios e colocou seus discos de volta nas mangas, eles descobriram que o Ocultismo não estava apenas disponível para eles por meio de canções pop, e que seus mais velhos também estavam passando por uma transformação espiritual própria.
Fonte: https://medium.com/